La coppa - The Cup (Bhutan/Australia, 1999) di Khyentse Norbu. Con Jamyang Lodro (Orgyen), Lama Chonjor (l'abate), Orgyen Tobgyal (Geko, l'aiutante), Kunsang Nyima (Palden), Neten Chokling (Lodo), Godu Lama (vecchio lama), Dhan Pat Singh (il noleggiatore di televisori).
Durante i campionati mondiali di calcio del 1998, alcuni giovani allievi di una scuola buddista tibetana smaniano per vedere le partite. Dopo averne vista una (il quarto tra Francia e Italia), riescono a convincere l'abate a noleggiare un apparecchio tv per seguire la finale tra Francia e Brasile. Nonostante la funzione aggregativa del calcio (l'abate si informa previamente se questo "strano" sport comporti la violenza e le tentazioni della carne), gli aspiranti monaci comprenderanno che vi sono anche altre cose importanti nella vita, come gli affetti, la solidarietà e la serietà negli studi.
Allegramente superficiale, il film di Norbu (nel 2003 autore del più maturo Maghi e viaggiatori) è perfetto per smitizzare l'alone mitico/mistico che è stato creato intorno al buddismo tibetano, soprattutto grazie all'adesione di alcuni vippi, più che per la positiva predicazione del Dalai Lama, nonché per farsi beffe di quanti, in piena epoca New Age, sono pronti a cadere in deliquio non appena sentano l'ohm accompagnato da un lieve profumo d'incenso. Sufficiente.
P. S. Le partite sono rimontate alla maniera dell'organo sessuale del migliore amico dell'uomo (scilicet "a cazzo di cane").
Per valutare un film come questo, è necessario partire da certe definizioni recensorie. Morando Morandini, ad esempio, ne parla come di «un film di algida eleganza e di impervia comprensione per un occidentale con un sospetto di manierismo accademico». Cosa che, a dispetto del Leone d'oro ricevuto a Venezia nel 1989 (ex aequo con Ricordi della casa gialla di Monteiro), per me significa, fuor di perifrasi, che Morte di un maestro del tè è un film pallosissimo. Paolo Mereghetti, invece, avverte che «tanta solennità non scaccia l'ombra della maniera». Secondo Tullio Kezich, filosoficamente, «l'impervio discorso è forse più alto dello stile, l'intensità concettuale prevale su una qualità estetica che non va oltre la lezione dei maestri». Giovanni Grazzini, infine, lodò il film di Kumai, definendolo «un'opera di qualità molto alta», e descrivendone la trama nei seguenti termini: «...egli infatti rende omaggio a Rikyu (1522-1591), che a quanto dicono gli storici del Sol Levante seppe per primo trasformare il rituale del the in un'opera d'arte. Nel senso che per primo, in un'apposita camera, spoglia d'ogni ornamento, dinanzi a simboli divini e a "memento" che favorivano la meditazione e l'annullamento delle passioni, posò un pizzico di the verde in una ciotola, vi versò sopra l'acqua calda, portò la tazza alle labbra, e bevve, ma muovendo le mani in una sorta di spazio sacro, nel rispetto d'una geometria che voleva replicare l'ordine del Creato e appagare così, in una specie di ascesi anche figurativa, l'ansia umana di assoluto». Ritenendo che il venerabile Rikyu avesse scoperto l'acqua calda (a Livorno avrebbero detto "il buo alla 'onca", mentre l'Umiliana avrebbe parlato della "scoperta di Caone che a mezzanotte è buio"), prosaicamente glossai, a margine dell'aulica recensione del Grazzini, in caratteri scatolari, CHE CAZZATA. A distanza di circa quindici anni, devo parzialmente rivedere il mio affrettato giudizio critico, nel senso che il film di Kumai è uno spettacolo dignitosissimo, seppure, inevitabilmente, destinato a pochi. Molto buona la - purtroppo breve - scena di battaglia, ispirata alla pittura di Paolo Uccello e ovviamente ai capolavori cinematografici di Kurosawa.
Definito da Marco Giusti «cultissimo spaghetti-noir [...] qualcosa di pre-tarantiniano» e via vaneggiando, Roma come Chicago è pre-tarantiniano così come lo sono Dracula e La principessa Sissi, nel senso che sono stati realizzati alcuni anni prima. In realtà si tratta di un pasticciaccio che non sta né in cielo né in terra, con protagonista un bravo attore americano (Cassavetes) che, anche soltanto dal modo di muoversi, si capisce subito che mai su questa terra potrebbe fare l'italiano (a parte la chioma scura da emigrante greco). Il film di De Martino è pieno di inseguimenti noiosi e mal fatti, sparatorie che non hanno un centesimo della credibilità di quelle mostrate da Leone e Peckimpah, nonché buchi di sceneggiatura come piovesse (l'evasione dal carcere di Corda è meno credibile di quella del Conte di Montecristo dal carcere dell'abate Faria). Se il film ha una sua pur minima tenuta spettacolare è grazie a un cast (sia artistico che tecnico) più che dignitoso, con nomi che, almeno nel cinema di genere costituivano una garanzia assoluta: lo stesso Cassavetes, Ferzetti, Pistilli, Cucciolla, Guerrini.
Un giovane garzone di barbiere (Lewis), dopo avere combinato una serie inenarrabile di guai, si ritrova casualmente in tasca un preziosissimo diamante rubato da un pericoloso criminale (Burr). Messosi in viaggio in treno travestito da dodicenne per pagare il biglietto ridotto, è costretto a deviare verso il collegio femminile, dove un paziente insegnante di musica e ginnastica (Martin) gli fa da zio per amore della bella collega (Lynn).
Fisicamente e gestualmente ispirato all'allora arbitro siciliano di calcio Concetto Lo Bello, questo Lo Cascio interpretato da Buzzanca con la consueta dose di smorfie mimiche e facciali riesce, nonostante la volgarità (almeno pari a quella del filone scollacciato dell'epoca) di certe scene e la pochezza dell'insieme, a strappare, con le unghie e con i denti, qualche risataccia. La sceneggiatura segna un punto a suo favore nel tratteggiare il rapporto quasi simbiotico tra arbitro e guardalinee (il bravo Ignazio Leone), ma perde di credibilità con l'inserimento del personaggio inutilmente titillatorio della giornalista femminista (interpretata da Joan Collins), che ricorda una versione spregiudicata della giovane Oriana Fallaci. E comunque, sul mondo del calcio, si farà di molto peggio negli anni ottanta, con i vari Paulo Roberto Cotechiño (1983) e con Il tifoso, l'arbitro e il calciatore (1983). 
Fenomeno (campagnolo), Dino Cassio (poliziotto pirata), Pongo (il medico).
Egisto festeggia i quindici anni del suo regno, iniziato con l'omicidio del fratello Agamennone. Nel frattempo Clitemnestra è morta e Oreste se n'è andato chissà dove ed è dato per morto. Soltanto Elettra rimane a fungere da cattiva coscienza del sovrano e a ricordarle l'orrendo delitto del quale s'è macchiato per scalare il potere. La ragazza spera nel ritorno di Oreste, perché il fratello compia la vendetta. E poi Oreste torna, uccide il tiranno e is uoi scherani, ma poi si scontra fatalmente con la sorella e i due si uccidono a vicenda, salvo poi risorgere e fuggire su un rosso e radioso elicottero.
Uscito in prima edizione nel 2001con il sottotitolo Corsivi diabolici per tragedie evitabili, Dottor Niù raccoglie i pezzi di Benni usciti su Repubblica nel periodo del primo governo ulivista, e in particolare tra la fine del 1998 (governo D'Alema) e i primi mesi del 2001 (governo Amato), quando la vittoria di Berlusconi alle successive elezioni politiche (una delle tragedie evitabili di cui al sottotitolo) appariva ormai scontata. La maggior parte dei pezzi sono piuttosto datati, se si pensa che sono stati tutti scritti prima dell'11 settembre 2001, e alcuni riferimenti - a Clinton, Eltsin, Milosevic - sembrano arrivare da un'altra era geologica. Alcuni articoli, però, mantengono intatta la loro validità, e, nonostante che gli avvenimenti degli ultimi anni si susseguano a ritmi vertiginosi, anche grazie al moltiplicarsi delle televisioni satellitari, e quindi qualsiasi riferimento all'attualità rischi di essere inutilizzabile a distanza di pochi giorni, grazie alla maestria di Benni, sono ancora divertenti. Per brevità cito soltanto tre pezzi che secondo me sono tra le cose migliori: Natale a Monte Candido (20/12/2000), Confessione di un povero compagno (22/10/1998) e La Storia (31/12/2000). Benni, che è notoriamente di sinistra, in questo libro è bipartisan negli attacchi satirici a Berlusconi come a D'Alema, e ciò fa di Dottor Niù una lettura ancora godibilissima.
Non ho letto Bulgakov, ma, a prescindere da questo, il film di Petrovic, mi sembra veramente mal riuscito. Nel tentativo di condensare surrealismo e spunti di satira politica e sociale, il film è confuso e si limita a una critica, nemmeno tanto efficace, della gestione burocratica dell'arte da parte delle gerarchie sovietiche. E' fin troppo facile far notare che questa critica veniva da un regista della Jugoslavia titoista (e antisovietica), al quale, per contrappasso, si dovrebbe far vedere cento volte il film di Kusturica Papà è in viaggio d'affari (1985), nel quale un poveraccio finisce nei campi di rieducazione socialista soltanto per avere detto "forse esagerano un po'" di fronte a una vignetta che satireggiava Stalin.
Sottoprodotto di serie C, il film di Grieco e Felisatti nasce sulla scia dei fattacci del Circeo e poggia la sua ragion d'essere sulla sensazione d'impunità ispirata dalle vicende giudiziarie e carcerarie dei responsabili di quel massacro. Il film affastella le une sulle altre situazioni le più disparate, sciorinando una serie imponente di violazioni del codice penale: si va dalle rapine a mano armata allo spaccio e all'uso della droga, dalla violenza sessuale all'esposizione della filosofia nietschiana, mettendo a confronto il palazzinaro, il giudice cavilloso, il giovanotto viziato di buona famiglia e il poliziotto anarchico. E in questa confusione ormai non si capisce se siano più fascisti i giovincelli pasolinianamente figli della presunta Roma bene o il poliziotto che vorrebbe incriminarli anche senza prove. Per il resto, Grieco e Felisatti propongono il solito repertorio di inseguimenti (con prevalenza delle corse in moto da cross) e violenze assortite, con l'aggiunta di scene ridicolmente montate a velocità aumentata per rendere più credibili le scazzottate. Il tutto è messo in scena con una recitazione che definire cinofila sarebbe far torto al migliore amico dell'uomo.